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01,55 – Film: Piano sul pianeta (malgrado tutto, coraggio Francesco!) 

Questa sera, lunedì 12/12 alle 20.30, in occasione dell’anteprima mondiale di Penultimo Paesaggio il regista Fabrizio Ferraro, i protagonisti Luciano Levrone e Simona Rossi, insieme a Enrico Ghezzi risponderanno alle domande del pubblico presente in sala.

di Stefano Stefanutto Rosa | Cinecittà News - Dossier

Quarant’anni dopo Ultimo tango a Parigi di Bertolucci, di nuovo una giovane donna e un uomo più maturo, che non si conoscono, s’incontrano in un appartamento ancora una volta disadorno come ci racconta in Penultimo paesaggio il regista Fabrizio Ferraro, che non a caso riprende un dialogo del cult movie con Marlon Brando e Maria Schneider. ”Sì, sono tornati ma si spera che questa volta riescano a rompere le gabbie rappresentative, alla ricerca di un contatto mai avvenuto, da avverarsi, sul corpo che si sfiora e sul corpo del cinema”. Dopo Je suis Simone (la condition ouvrière), film su Simone Weil e la condizione operaia in Francia negli anni Trenta, Ferraro volge ancora una volta l’obiettivo su Parigi con un film da lui prodotto insieme a Marcello Fagiani per Boudu Film, coprodotto da Rai 3 e Fuori Orario, e che vede, tra gli altri, la collaborazione musicale di Paolo Fresu e Daniele Di Bonaventura.

Penultimo paesaggio è l’antitesi evidente del cinema narrativo e d’intreccio ed è basato su dialoghi essenziali e in inglese, girato tutto in bianco e nero e nella capitale francese, con inquadratura fissa alternata a piani sequenza e suono in presa diretta. Siamo dunque in prossimità del cinema di Straub&Huillet.
“Gli incontri fugaci, i dialoghi spogli tra i protagonisti (Luciano Levrone e Simona Rossi) danno voce ad una distanza paradigmatica di una società s/finita e senza riscatto, arresa ai valori dominanti che il protagonista, sul finale, pone in discussione nel tentativo di arrivare ad una nuova riformulazione”, spiega il regista.

Si confrontano nel film due geometrie: quella delimitata dalle pareti dell’appartamento e tracciata dai corpi degli amanti; quella della città ridisegnata dal prefetto Haussmann, che consentiva tra l’altro, grazie alla realizzazione di grandi boulevard, di spostare rapidamente truppe per controllare e reprimere le proteste popolari. “L’urbanistica è il prolungamento di quello che accade alle relazioni e ai rapporti di classe”, dice Ferraro.
Un film nato in Francia? “No in Italia, nel momento in cui tutti vogliono scappare da questo Paese. E non ho voluto attori noti, perché ho lavorato in sottrazione e ho preferito uscire senza passare per festival puntando al rapporto diretto con il pubblico”
Penultimo paesaggio è un’opera quasi di trincea che appartiene a un cinema d’autore che sta scomparendo, sostiene Mario Mazzarotto di Movimento Film che distribuisce la pellicola dal 12 dicembre a partire dal Nuovo Cinema Aquila di Roma. Dove alle ore 20,30 il regista, accompagnato da Enrico Ghezzi e gli attori protagonisti, incontrerà il pubblico.

di Francesco Gallo | ANSA

ROMA, 6 DIC – In uno spartano bianco e nero e con dialoghi minimalisti arriva nelle sale lunedì, distribuito da Movimento Film, ‘Penultimo paesaggio’ il rarefatto omaggio al cinema-cinema di Fabrizio Ferraro.

Con le musiche di Vivaldi, Bach e Paolo Fresu, il film registra in una Parigi geometrica e silenziosa la storia di un uomo (Luciano Levrone) e una donna (Simona Rossi) che si sono conosciuti grazie a un incontro al buio e continuano a vedersi e ad amarsi in uno squallido appartamento-ufficio senza neppure un quadro alla parete.

Molte immagini fisse su questa coppia che, pur essendo di origine italiana, preferisce parlare inglese. “Voglio cominciare a sentirmi felice – dice a un certo punto la donna -. E smettere di vedere i telegiornali“. E lui a lei:”Sono un pessimo investimento Non credo nel futuro dell’umanità. Spogliatevi e guardatevi allo specchio siete così per il denaro“.

All’interno di questa storia che non può che ricordare un casto ‘Ultimo tango a Parigi’, e che vive più di silenzi che di parole, tante immagini della città nel suo ordinario vivere e anche la consapevolezza della mappatura di una metropoli legata
alle differenze sociali.

“Ci hanno insegnato a pensare la regia – spiega il regista autore di molti documentari tra cui ‘Ethos’ presentato all’ultimo Festival di Torino – come il punto di partenza e di arrivo e di un film; questa idea chiusa e imperiale si sgretola da sé una volta che si affaccia fuori dal set, e penso che non sia per la leggenda del cinema collettivo, ma per una pratica frammentata in una costruzione molteplice che cambia continuamente“.

E ancora Fabrizio Ferraro”per questo film si nega un po’ alla rappresentazione, all’intreccio narrativo, ma vive ogni secondo in bilico tra ciò che poteva essere e ciò che invece sarà: il film si è costruito in un cambiamento continuo, in un’apertura
continua alla vita e al mondo che cambiava in ogni istante…“.

Un appartamento mutuato da Ultimo tango a Parigi, una ripresa digitale in bianco e nero straniante, italiani nella capitale francese che parlano solo inglese; silenzi, rumori off, raccordi violenti, impalpabilità del tutto. L’amore ai tempi dello spread, o dieci anni dopo l’attacco alle Torri Gemelle. Impossibile, incomprensibile, vacuo, insensato, inattuabile, fuorviante. Pensieri frammentati, alterati e disomogenei, impossibili da armonizzare perché aggettivano e provano a raccontare un’opera, Penultimo paesaggio, che su queste incertezze, inciampi, discontinuità e impalpabilità si fonda.

Fabrizio Ferraro l’avevamo già incontrato su queste pagine: il suo Piano sul Pianeta (malgrado tutto, coraggio Francesco!) ci aveva così affascinato da volerne approfondire la discussione, poi approdata in un’intervista. Quel suo cinema “post Straub-Huillet” così sgranato, confidenziale, muto e informe, cui sottende una poeticità d’altri tempi, d’altre nazioni (francese, soprattutto), di un’altra maniera di fare cinema, profondamente d’antan e insieme pioneristica.

Ferraro ci invita in un appartamento parigino in cui un uomo e una giovane donna si incontrano casualmente, condividendo in quel luogo spoglio la loro vita altrettanto disadorna. La verbosità centellinata ci fa addentrare in delle esistenze sfinite, travolte e disinnescate, cui la città cerca di implementarne la consistenza producendo invece solo segnali, indizi e prove della miseria umana da cui si partiva. Una città ideologica, severa, austera, scolpita e dispotica, classista e tirannica, forgia nuove generazioni formulandole a sua immagine e somiglianza. L’esito è avvilente, e coraggioso è stato Ferraro a voler raccontare e ad aver saputo far deflagrare la potenza insita nei nostri animi. Una miseria che ogni giorno incontriamo agli angoli delle strade, al tavolo accanto a quello in cui sediamo o riflessa nello specchio; ma che quasi mai abbiamo il coraggio di fissare, di indagare, di carpirne le potenzialità emancipatrici covate pure nella sua nefandezza e tragedia.

Nel suo primo lavoro di finzione, Ferraro ci porta in un eterno presente cittadino e urbano, morbidamente apocalittico, sereno e iracondo al tempo stesso, per una riformulazione del presente – e del futuro – accennata ma incompiuta perché impossibile da affermare. Cinema autoriale al servizio del bene comune. Lo si diceva: cinema d’altri tempi.

presenta due film al cinema

ETHOS (VERRÀ PRESTO IL GIORNO IN CUI GLI ATTORI E LE ATTRICI NON CREDERANNO PIÙ CHE LE LORO MASCHERE E I LORO COSTUMI SIANO ESSI STESSI)

in concorso nella sezione Italiana.Corti del 29 Torino Film Festival

• Cinema Reposi – Sala 2, 01 Dicembre, ore 22:00 Acquista biglietto
• Cinema Greenwich – Sala 1, 02 Dicembre, ore 19:30 Acquista biglietto
• Cinema Reposi – Sala 2, 03 Dicembre, ore 22:15 Acquista biglietto

maggiori informazioni alla pagina ufficiale:
http://ethosfilm.posterous.com

PENULTIMO PAESAGGIO film per tutti e per nessuno

in anteprima mondiale dal 12 dicembre al Nuovo Cinema Aquila in via L’Aquila, 68 – Roma

maggiori informazioni alla pagina ufficiale:
http://www.penultimopaesaggio.it

Una festa, della parola e quindi del corpo. Perché la parola che intendiamo festeggiare è quella che proviene dal corpo e che dice del corpo. Una parola il cui significato vive nella ricerca dello sguardo, dal suono, della carne.

E quindi il cinema che “ci rifà la visione”, il teatro che mette le parole addosso alla pancia e ci fa scorgere come il mio corpo non finiscemaisenoiabitiamolospaziosentendoci.

Ci mostriamo, ne parliamo, dalla nostra parte. Una sorta di cammino tra alcuni dei luoghi che decidono della nostra condizione, che ne decidono a partire dal lavoro che questi esercitano sui nostri corpi.

Un viaggio con i corpi tra i nostri corpi, nei quali è disegnato il panorama della prigione ma anche dell’aperto.

 …perché è il corpo che porta, nella vita e nella morte, nella forza e nella debolezza, la sanzione di ogni verità e di ogni errore (…). Il corpo – e tutto ciò che ha a che fare col corpo, l’alimentazione il clima, il suolo – è il luogo della Herkfunft: sul corpo, si trova lo stigma degli avvenimenti passati, così come da esso nascono i desideri, i cedimenti, e gli errori; (…). Il corpo: superficie d’iscrizione degli avvenimenti (laddove il linguaggio li distingue e le idee li dissolvono), luogo di dissociazione dell’Io (al quale cerca di prestare la chimera di un’unità sostanziale), volume in perpetuo sgretolamento.

Siamo qui, e da qui diciamo e mostriamo dei corpi. I nostri.

Come è che accade un evento riconoscibile, distinguibile dall’ordinario ordine del discorso?; com’è possibile vedere con occhi vivi l’invisibile, libero dal dominio del noto? Com’è possibile arrivare al corpo dell’altro senza dominarlo, colonizzarlo?

I nostri incontri proveranno ad essere una sorta di presentazione, un catalogo dei disegni e degli effetti, delle parole. Il corpo della parola.

Una parola, quindi, indistinguibile dalla sua provenienza, da quel luogo che ne è l’origine: il corpo, appunto.

Tenteremo quindi di aprire un’occasione per tessere linguaggi, respiri, sguardi di qualcosa che probabilmente ci è familiare, che va disvelato e reso visibile: il comune che noi abitiamo e che dev’essere visto, toccato, digerito.

Fare del corpo un possibile luogo del comune e quindi del politico è propriamente uno degli obiettivi della nostra Festa della Parola. La descrizione dello sfruttamento, da Simone Weil ai call center; la parola che emerge dall’ascolto di un respiro che si sente, e lo si sente in scena, qui, davanti a tutti; l’incontro con la poesia.

La parola del corpo.

Mai come oggi, crediamo, è possibile vedere il valore immediatamente politico del corpo.

Un appuntamento prettamente politico, quindi, che ha nella propria agenda l’obiettivo di annusare, odorare, ascoltare, toccare perché il corpo non finiscemaisenoiabitiamolospaziosentendoci.

28 e 29 gennaio ore 21:30

TEATRO CASA DELLE CULTURE

Via San Crisogono, 45 – tel. 06 58157182

uno spettacolo di Nino Pizza

con in ordine alfabetico Viviana Alibrandi / Doriana Brugnoni / Francesco Colombraro /Andrea Ferraro / Maria Galatro / Salvatore Gambilonghi / Vincenzo Giorgi / Carmela Lavorato / Mario Mei / Federico Petrucci / Diana Pucci / Marta Reggio / Gianluca Santucci / Caterina Stillitano / Leonardo Viola

Con “Nella tempesta di Shakespeare” proponiamo l’ennesima tappa di un esperimento non ancora chiuso. La nostra ricerca continua nella sperimentazione delle capacità creative dell’individuo, in grado di produrre immagini, gesti, frasi nell’edificazione continua di una realtà nuova.

E la parola. Questa volta di senso, che per noi è sempre un senso in-compiuto.

Nella tempesta di Shakespeare. Dieci uomini e donne fanno esperienza della loro tempesta. Una scena scarna con pochissimi oggetti riempita solo dai corpi. Dalle parole. Dai vuoti.

E la tempesta. Ma “La Tempesta”, quella di Shakespeare, non c’è più. In un percorso astratto, gettati nel gorgo della sperimentazione, le parole, con i corpi prendono il largo. Nel mare agitato. Il mito, la magia, questo noi siamo. Non abbiamo paura a dirci l’orrido.

La Compagnia teatrale del Centro Diurno “La Voce della Luna” prova a prendere congedo dalle Istituzioni e si proietta verso la libertà inaudita dell’arte. La responsabilità ora è tua. Accoglimi.

Nino Pizza

info

CENTRO DIURNO SPERIMENTALE INTEGRATO

“La Voce della Luna”

tel.  fax 06 68352884

voce_luna@libero.it

da PointBlank

Per riuscire a vivere a pieno l’esperienza di Piano sul Pianeta (malgrado tutto, coraggio Francesco!) si deve abbandonare il percorso usuale di fruizione di un’opera. Inutile cercare di capire, di leggere i segni. Non c’è decodifica di un messaggio. Quello che il regista vuole e, in alcuni momenti, riesce ad ottenere dallo spettatore, è un completo abbandono: prima alle suggestioni dei suoni della natura, delle immagini in bianco e nero, delle lente panoramiche su operatori e normali visitatori di quello che sembra un parco come un altro; poi alle sensazioni di angoscia e paura trasmesse dai protagonisti, misteriose entità la cui voce è sempre off.

Questi ectoplasmi senza storia si osservano, camminano, dormono. Sono chiusi all’interno di spazi aperti, hanno reti e cancelli a dividerli dal mondo urbano, così diverso dai giardini di questa villa inquietante. Cercano un rifugio dal freddo, ed è Francesco, enigmatico ragazzo col bastone, ad indicare loro la via. Li ascolta, li nutre, li comprende. Condivide la loro alienazione. Non era un parco come un altro. È quello di Santa Maria della Pietà, l’ex manicomio di Roma Nord chiuso con la legge Basaglia. Un luogo che è stato più volte raccontato, la cui storia è stata ricostruita attraverso inchieste e documentari. Ma mai gli era stato dedicato una docu-fiction, o un “docu-poem”, se così vogliamo chiamarlo. Ci ha pensato Fabrizio Ferraro, che con la sua precedente opera Je suis Simone (la condition ouvrière) aveva già dimostrato il suo interesse per l’ibridazione dei generi con il fine ultimo di liberarsi della definizione di genere, così come di qualunque altra regola già stabilita per la narrazione filmica. Non si racconta una storia ma si tenta di coinvolgere, di creare una collaborazione tra chi parla e chi ascolta, che certo non si dimostra accessibile a qualunque tipo di pubblico. Ma il pubblico per Ferraro, come spiega nell’intervista che trovate su queste pagine, è solo un’altra delle categorie prestabilite che ostacolano il linguaggio umano, che può trovare attraverso il mezzo cinematografico ben altri modi per diffondersi che quelli della classica costruzione drammaturgica.

D’altronde, se il padiglione 12 del Santa Maria della Pietà era destinato a coloro che manifestavano tendenze suicide o che provavano a fuggire, lo spunto per riflettere su cosa è normale e cosa è folle si coglie immediatamente. Ribellarsi alle regole, alle convenzioni, non è una scelta sana. Si è pericolosi per se stessi e per gli altri. Un po’ follemente, Ferraro si ribella a tutte le convenzioni, affronta i suoi rischi e dipinge un quadro davvero insolito, silenzioso e desolante. Quale sia l’effetto finale dell’esperimento è impossibile descriverlo. Bisogna vederlo e sentirlo, lasciarsi trasportare dai lunghi piani sequenza, osservare i volti intensi dei protagonisti, entrare nell’atmosfera paranoica di un’opera che tutto cerca, fuorché una definizione precisa che la intrappoli. O meglio che la interni.

Intervista a Fabrizio Ferraro

Point Blank ha incontrato Fabrizio Ferraro, uno dei registi più interessanti del panorama indipendente nazionale. Il suo Je suis Simone (la condition ouvrière), ispirato ai quaderni che Simone Weil scrisse nel periodo in cui lavorò come operaia alla Renault, è stato menzionato nel 2009 tra i documentari del Festival del Cinema di Torino. Nel 2010 torna con un esperimento che, come la dedica al regista Robert Flaherty lascia intuire, intreccia ancora una volta documentario e poesia per dare vita ad una composizione che indaghi la condizione dell’uomo di oggi (e non solo), e si muove abilmente tra la ricerca estetica e il puro, violento allarme sociale. Protagonista, lo spazio dell’ex-manicomio di Santa Maria della Pietà a Roma. E i suoi ospiti.

Partiamo dal titolo di questo tuo ultimo film: Piano sul pianeta (malgrado tutto coraggio Francesco!) suona quasi come una trappola per le orecchie dello spettatore che, attirato dal tono confidenziale della commedia, può trovarsi di fronte a un’opera di non facile comprensione. Cosa pensi di chi guarda i tuoi film? Ti interessa che le tue opere possano essere apprezzate da un pubblico?
La questione del pubblico risulta essere antica e sempre nuova, quando ci sono attività umane che comprendono una relazione ampia, collettiva e pubblica. Il pubblico però è una categoria che non esiste, inventata da chi detiene il potere, oggi ancora più importante per la centralità dei sondaggi, del marketing. Mi piace pensare ad una collettività aperta,  eterogenea, che deve abbandonare quella “categoria” passiva e subordinata per attivarsi e concludere il film. Tutti devono avere un ruolo attivo e importante, chi pensa il film, chi lo realizza e chi lo vive in sala, altrimenti il gioco non riesce e tutto scivola in un consumo distruttivo.

Quello che emerge da Piano sul pianeta (malgrado tutto coraggio Francesco!) è la tua idea di un cinema che non racconti una storia, almeno non attraverso le regole canoniche della drammaturgia. Tu racconti attraverso composizioni (di immagini e suoni), suggestioni e atmosfere. Se il cinema mette in scena una vita fittizia, il tuo non-cinema può in qualche modo mostrare la vita vera?
Quale vita vera? La vita fittizia di cui tu parli ha invaso le strade, l’aria, le abitazioni. Quando è così viva la cultura del dominio, di vero c’è solo il dominio. Nei film cerco una reazione aperta che tenti di costruire un panorama comune in cui muoverci, dal momento che siamo governati in ogni secondo della nostra vita, anche quando pensiamo noi di governare le cose. Quindi non mostrare ma costruire relazioni diverse che sappiano rompere la prigione imposta, anche la prigione narrativa. Già una consapevolezza del genere crea delle fratture interessanti per contrastare la continuità del dominio.

Come è nata l’idea di Piano sul pianeta (malgrado tutto coraggio Francesco!)? Puoi parlarci del tuo rapporto col produttore Marcello Fagiani e del progetto, in collaborazione con la sua Boudu, per la trilogia sul “nome comune dell’umano”?
Dopo Je suis Simone (la condition ouvrière) avevo intenzione di attraversare un’altra condizione di prigionia, anche se in forme diverse ma con lo stesso principio e la stessa natura distruttiva. Dopo la fabbrica e la relazione-confine tra immagine e testo qui il manicomio, cercando di dissolvere i confini con la luce e con il suono. Marcello Fagiani l’ho incontrato dopo aver realizzato Je suis Simone. Lui è rimasto molto colpito dal film e così abbiamo deciso insieme di fare questo secondo e costituire il collettivo Boudu, insieme anche ad Antonio Sinisi. Boudu organizza anche rassegne, lavora dentro al S. Maria della Pietà con attività teatrali e altre di varia natura, sempre per rompere confini e gabbie e per costruire un comune, un comune sentire.

Chi sono gli attori del tuo film, e come li hai scelti?
Li ho visti tutti a teatro, in anni e spettacoli diversi. Mi hanno talmente colpito che è nata subito in me la voglia di lavorare con loro. Abbiamo parlato del progetto insieme e poi è nato il film, e la forza che in esso si respira è merito dell’attento e preciso lavoro che hanno fatto. Finalmente attori, ma mi viene meglio chiamarli “activa(t)tori”, che cercano non di conquistare il piano, ma di viverlo nei suoi vuoti per attivare dei processi senza far finta di voler interpretare un personaggio.

Trovo molto interessante la scelta di non raccontare indirettamente la condizione dei malati. Hai invece immerso lo spettatore all’interno della realtà filmica attraverso lunghe carrellate, soggettive senza soggetto, che obbligano ad accettare la fruizione attiva dell’opera. Come lavori sulla scelta delle inquadrature?
Hai detto proprio bene, è importante ripeterlo “soggettiva senza soggetto”. È centrale per il film questa espressione. Il lavoro sull’inquadratura è la cosa più importante se uno decide di lavorare con le immagini, mentre la gran parte dei film lavora solo sul testo. La scelta è dolorosa e faticosa. Cosa metti dentro, cosa lasci  fuori, quanta distanza, quanto vicino… C’è tutto il senso etico e politico del cinema, una delle cose più importanti se pensiamo che il cinema debba essere un prolungamento di relazione materiale con il mondo. Ho passeggiato e camminato all’interno del parco dell’ex manicomio così, tanto per capire dove posizionarsi in quello spazio. La voglia di scegliere dove stare e dove posizionarsi nel mondo. Una vera e propria mappatura.

Hai più volte sottolineato che quello che ti interessava era il fraintendimento del concetto dentro/fuori. Eppure ciò che affascina di più in Piano sul pianeta è la capacità di far vivere davvero, in certi momenti, la sensazione della follia. Follia che, in fin dei conti, è mancanza di uno scopo: è vagare, guardare, agire senza obiettivi. Quanto il tuo film è una riflessione estetica e quanto un saggio teorico?
Un film può essere tutto e può essere niente. Importante è che lo stimolo ci sia prima e poi che nasca tutto dopo, mai mentre. Il durante deve essere solo fisico, bisogna “annusare” e “annusarsi” mentre si lavora al film, poi tutto nascerà dopo. Più uno cerca di fare un lavoro semplice, di semplificare al massimo e più tutto nascerà dopo. Riflessioni, emozioni, relazioni. Ma per arrivare ad una semplicità così potente, bisogna lavorare tanto per pulirsi e togliersi cliché e luoghi comuni.

Ti hanno accostato a Jean Marie Straub per la tua attenzione alla natura che, ritratta nella sua affascinante semplicità, può assumere sullo schermo un valore quasi mistico. I tuoi paesaggi, come quelli di Straub, sono reali più che realistici. Quanto ti ispiri al linguaggio di questo maestro e quali sono i tuoi modelli in generale, se ce ne sono?
Anche qui come prima: non mi ispiro ma respiro quel lavoro come di altri grandi, Tatì, Eustache, eccetera. Anche se nella storia del cinema potremmo per gioco dividere un cinema prima di Straub-Huillet e un cinema dopo Straub-Huillet. È una linea continua sempre uguale e sempre diversa. E’ la storia delle espressioni umane, non c’è niente di nuovo ma è tutto sempre vecchio, però sviluppato in diverse composizioni. Anche le storie sono sempre le stesse, degli esseri umani che resistono e combattono per poter esprimere la propria gioia, la propria potenza, la propria vita. Non esistono storie originali.

So che hai progettato per lungo tempo il tuo film su Simone Weil. Cosa ti affascinava di questa donna dalle idee rivoluzionarie che, allo stesso tempo, viveva di valori antichi e di tradizioni?
Trovo i suoi quaderni di fabbrica molto vibranti, attuali e veri rispetto a quello che sta accadendo. Sembra che non si possa fare a meno della schiavitù, una schiavitù organizzata, burocratizzata e diffusa, di massa. Simone Weil ci fa capire che per comprendere quello che accade, anche nella speranza e nella voglia di volerle cambiare, bisogna stare all’interno delle cose, bisogna attraversarle internamente.

Ci parli del tuo progetto su Moby Dick?
Il progetto ancora non so di preciso quando partirà per problemi produttivi, sono già due anni che ci lavoro, vedremo quando qualcosa si sbloccherà. Nel frattempo – ed è la prima volta che lo dico in un’intervista – sto preparando un film che dovrei iniziare a girare in aprile in Francia. Un dispositivo filmico di facile riconoscimento ma con un lento e progressivo sabotaggio interno, in sintesi una deflagrazione interna.

Tommaso Triolo

“Piano sul pianeta (malgrado tutto, coraggio Francesco)”: Umane follie

Il manicomio S. Maria della Pietà a Roma diventa il set di un film documentario che esplora le dinamiche dell’umano in un percorso di scoperta e superamento delle classiche etichette.